Strippers, rebeldia e... figos: aqui estão os melhores filmes de 2024

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Chegou a altura do ano em que a equipa da Euronews Cultura reflete sobre os filmes lançados este ano, que fizeram de 2024 um ano de referência para o cinema.

Houve barnstormers, filmes que provocam lágrimas e tesouros inesperados ,num ano em grande parte terrível para as bilheteiras - levando ao que foi referido como temporada de flopbuster.

Quer se trate de Argylle, Furiosa, The Crow, Borderlands, Venom: The Last Dance, Madame Web, Joker: Folie à Deux,Gladiador II, Kraven The Hunter e Megalopolis, os piores foram na sua maioria sequências de sagas injustificadas, reboots ou adaptações de banda desenhada e videojogos.

Quanto menos for dito sobre a interminável “Wicked Press Tour”, melhor.

É certo que a extravagância dos super-heróis Deadpool & Wolverine trouxe muito investimento, e conseguiu atingir o nosso Top 20, então houve exceções à regra que afirma, claramente, que o público quer algo mais do que algo "satisfatório".

Esta lista de fim de ano dificilmente é um ranking definitivo, porque nenhum ano de pode ser reduzido a um simples Top 20 — e nem deveria ser. No entanto, estes são os filmes que nos seguiram até casa depois das exibições e ficaram guardados nas nossas mentes. E corações. E espinhos frágeis. (Mais sobre A Substância dentro de pouco.)

A nossa seleção é o resultado de algumas escolhas complicadas - e sobretudo democráticas - da parte da equipa da Euronews Cultura, que manteve a regra de ferro fundido de que os filmes deviamter sido lançados nos cinemas europeus este ano. Isto significa que mesmo que tenhamos visto nomes como The Brutalist, April, Nosferatu, I'm Still Here, A Real Pain, Hard Truths, Sing Sing, A Complete Unknown e Nickel Boys, eles estão infelizmente ausentes quando têm lançamentos em toda a Europa em 2025.

E se está a perguntar onde estão os Dias Perfeitos, The Holdovers e Tótem, foram lançados na maioria dos territórios europeus no ano ado e já fizeram parte da nossa lista dos Melhores Filmes de 2023. Só esclarecendo, já que estes três filmes foram destaques.

Antes de começarmos, as nossas menções honrosas de 2024 vão para os seguintes filmes: O mal não existe de Ryūsuke Hamaguchi; "Conclave de Edward Berger; On Becoming a Guinea Fowl de Rungano Nyoni; Inside The Yelan's Inside The Yelan's Cocoon Shell; Small Things Like These de Tim Mielants; Grand Tour de Miguel Gomes; Tatiana Huezo El Eco ; A Terra Prometida de Nikolaj Arcel; O Aprendiz de Ali Abbasi; Guerra Civil de Alex Garland; Os Balcones de Noémie Merlant.*

Considerando o quão fortes foram esses lançamentos, é seguro dizer que as nossas 20 melhores escolhas são absolutamente imperdíveis. E não, Megalópolis está incluído, apesar dos protestos de um membro da equipa — puramente porque as suas lamurias foram ridificados pelo resto do grupo, que achava que apesar das suas ambições continuava a ser um mau filme.

Como afirmado anteriormente: escolhas “maioritariamente democráticas”.

Assim, sem mais demora, a nossa contagem regressiva para o melhor filme de 2024 começa com...

20) Dìdi

A estreia no longa-metragem de Sean Wang é uma exploração extremamente encantadora e sincera de crescer na estranha sobreposição entre a Geração Z e a cultura millennial.

Situado em meados dos anos 2000, o filme captura a essência desta era com precisão. Desde perfis assustadores do MySpace e T-shirts Paramore até aos primeiros dias do YouTube, todos os detalhes parecem perversos. No coração da história está um rapaz taiwanês-americano de 13 anos (interpretado com um constrangimento perfeito por Izaac Wang), que está a navegar na confusão da adolescência — amizades confusas, dramas familiares, primeiras pancadas e a busca impossível para descobrir quem realmente é.

Assim como OitavoAno de Bo Burnham e Meados dos anos 90 de Jonah Hill, Dìdi consegue equilibrar humor, desgosto, servindo um toque nostálgico para quem já fez 13 anos e está profundamente mortificado.

19) 2073

A cada ano que a cresce vem uma sensação de que a humanidade não está a melhorar — muito menos a aprender com os seus erros. Então, a-se o aviso: o último documentário de Asif Kapadia (Senna, Amy) pode não ser a maneira ideal de terminar o ano se estiver com alegria sazonal.

No espaço de 85 minutos, o cineasta britânico entrega um filme perturbador que aborda os maiores desafios que colocam em perigo o nosso presente, tudo situado num futuro distópico fictício. Imaginem Filhos dos Homens com o Juiz Dredd a patrulhar as ruas ao lado de um enxame de drones e está praticamente lá.

Amplamente inspirado na curta-metragem La Jetée de 1962 de Chris Marker — que também inspirou os 12 Macacos, de Terry Gilliam — este conto de advertência urgente apresenta imagens de notícias contemporâneas intercaladas com entrevistas e uma galeria de personagens familiares (Donald Trump, Vladimir Putin, Nigel Farage, Viktor Orbán, Elon Musk) para ilustrar a rutura da democracia. É sobre emoções e a distorção de uma realidade partilhada. Fundamentalmente como uma cápsula do tempo “Espero que alguém encontre isto” enviada do futuro, 2073 é uma forma de reconhecermos a nossa queda já desencadeada antes que seja tarde demais.

Tendo estreado no Festival de Cinema de Veneza deste ano, antes da reeleição de Trump, 2073 ganha uma importância adicional na sequência dos recentes acontecimentos atuais — como se dissesse que a humanidade simplesmente não consegue abrir os olhos para as próprias ruínas. É verdade que 2073 não é um exercício de subtileza — mas esse é precisamente o ponto. A humanidade como um todo não é conhecida pela sua subestimação, e este filme é um lembrete brilhantemente editado em que a autora Marie Lu estava certa quando escreveu no seu romance de 2017 “Warcross”: “Tudo é ficção científica até alguém fazer disso um facto científico”. Estamos a esgotar o tempo. DM

18) Bird

No meio das dificuldades da Grã-Bretanha , uma jovem faz amizade com um homem peculiar.

Depois de se estabelecer como diretora de realismo devastador através de filmes como Fish Tank, a fuga de Andrea Arnold para o realismo mágico com Bird foi um dos filmes mais refrescantes do ano. Impulsionado por uma performance impressionante da jovem Nykiya Adams como Bailey, de 12 anos, o filme de Arnold fervilha com muitos dos temas do seu trabalho anterior.

A vida para Bailey é dura. Vive na miséria com o seu pai caótico Bug — interpretado com um abandono diabólico por um sempre confiável Barry Keoghan — o noivo do seu pai e o seu meio-irmão Hunter que está a envolver-se em violentas atividades de gangues. Do outro lado da cidade, a mãe de Bailey vive com os irmãos com um parceiro abusivo. Arnold não é a primeira vez que retrata este tipo de realidades sombrias; o que é novo na sua filmografia é a introdução de uma personagem como Bird, uma presença melancular interpretada com um mistério cativante por Franz Rogowski. O que é tão impressionante sobre Bird é o delicado equilíbrio de condições adversas de Arnold com a introdução de Bird e a oportunidade que ele apresenta a Bailey para mudar através da natureza e bondade.

JW

17) Love Lies Bleeding

Pele suada, paredes respingadas pelo cérebro - Love Lies Bleeding não é a sua típica história de amor. A segunda longa-metragem da diretora britânica Rose Glass, cujo Saint Maud (2019) é amplamente considerado um dos maiores filmes de terror da última década, as expectativas eram grandes. Porém, o Glass entregou algo ainda maior.

Situada no submundo do Novo México rural de 1989, Lou (Kristen Stewart) a os dias a gerir o ginásio do pai (um homem aterrorizante que usa caveiras Ed Harris), desentupindo casas de banho antes de voltar para casa, onde ouve 'Easyway to Stop Smoking' de Allen Carr enquanto se masturba no sofá. Depois conhece Jackie (Katy M. O'Brian), uma fisiculturista com sonhos de competir em Las Vegas. Os dois começam uma relação acalorada quando Jackie também começa a tomar esteróides, esta combinação de hormonas artificiais resulta numa explosão violenta que ameaça desvendar os segredos obscuros da família criminosa de Lou, colocando ambas as suas vidas em risco.

Ao mesmo tempo sujo e sonhador, é um filme embebido nos ambientes contrastantes da polpa manchada de nicotina e do romantismo estrelado. De close-ups viscerais de músculos tensos a corridas alucinantes em câmara lenta, há a sensação de que estamos num mundo distorcido por ilusões de grandeza cheias de oxitocina. É um encontro fofo pautado de metástases em realismo mágico, revelando que o amor é ao mesmo tempo destrutivo e empoderador, ensanguentado e bonito, sem esperança e enorme. AB

16) Dune: Parte Dois

Quem não estiver convencido do triunfo que Denis Villeneuve alcançou com Dune: Parte Dois deve assistir à nova série spin-off 'Dune: Prophecy'. O programa visualmente sem graça da HBO é arrastado ainda mais para baixo por políticas monótonas e performances sem paixão.

Apesar de toda a abordagem expansiva de Frank Herbert à construção do mundo no romance original 'Dune', que se a dezenas de milhares de anos no futuro, o livro há muito provou ser impossível de se adaptar bem, apesar das tentativas de David Lynch e Alejandro Jodorowsky. Villeneuve silenciou todos os detratores com a primeira parte épica da sua trilogia proposta. Uma visão de ficção científica realizada com confiança trouxe o planeta deserto de Arrakis para o ecrã, minhocas gigantescas e tudo mais. Foi ancorado por performances magnéticas de um elenco dirigido por Timothée Chalamet, dando vida às estéreis personalidades do romance. Uma das maiores conquistas do cinema este ano foi Villeneuve conseguir a segunda metade seguinte da história.

Duna: A Parte Dois cumpre todas as promessas feitas no primeiro semestre. O universo árido é igualmente credível graças à dedicação de Villeneuve ao mundo de Herbert e à sua predileção para efeitos práticos. Chalamet é uma potência como Paul Atreides, caraterizado pela perda e pela profecia, transformando-se em adolescente traumatizado em ditador galáctico. Ele está acompanhado pela fantástica Zendaya, que como Chania recebeu um papel mais importante nos filmes para trazer à tona o impacto emocional da história. Além disso, os vermes da areia estão de volta e mais sublimemente fantásticos do que antes. É um mundo de ficção científica complexo que não tem medo do espetáculo. Um filme com esta qualidade é o quinto maior blockbuster do ano e é suficiente para reviver alguma fé em Hollywood. JW

15) Flow &Gokogu no Neko (Santuário dos Gatos de Gokogu)

Tem sido um bom ano para os gatos no cinema. Do Scottish Fold em Argylle ao destemido Frodo em A Quiet Place: Day One, os felinos estão mais procurados do que nunca - um limpador de reputação bem-vindo para uma espécie ainda manchada pelos desastrosos Gatos de Tom Hooper. Longe dos gritos de susto de antigamente, dois lançamentos notáveis deste ano colocam o zen inerente dos gatos na sua preocupação , trechos tenros de história que irradiam ronronos e tranquilidade.

O impressionante filme de animação de Gints Zilbalodis, Flow, que estreou em Cannes, ganhou recentemente o Melhor Filme de Animação nos Prémios de Cinema Europeu e foi selecionado na Letónia para Melhor Longa-Metragem Internacional nos próximos Óscares. Segue-se um gato preto a tentar encontrar refúgio no meio de uma inundação devastadora que afunda a sua terra natal, aliando-se a vários outros animais ao longo do caminho. Sem diálogo e visto num estilo único de blocos que lembra os antigos jogos de computador, é um filme que deixa espaço para a nossa imaginação nadar. As micro-características detalhadas de cada espécie, como o labrador excessivamente aguçado, a capivara maluca e a inescrutável ave secretaria, criam dinâmicas cativantes que flutuam temas de amizade e a importância de se unir apesar das diferenças. Embora o tema das alterações climáticas também seja grande, o Flow é mais gratificante quando visto como uma simples história contada lindamente - em pontos bastante stressantes, mas, em última análise, uma erva-dos-gatos que afirma a vida para a alma.

Quanto a The Cats of Gokogu Shrine, é um documentário observacional suave de Kazuhiro Soda que estreou na Berlinale 2024. Focado num antigo santuário xintoísta invadido por gatos, desenrola-se num retrato profundamente tocante de uma comunidade japonesa coexistindo juntas. Homens idosos juntam-se para pescar enquanto gatos vadios roubam atrevida a sua sardinela. Uma mulher, que não permite gatos no seu apartamento, visita regularmente o santuário para desestressar e ver o seu gatinho favorito com estampa de vaca. Um calmo caseiro pulveriza plantas e enruga o nariz a todos os amantes de gatos. É um abraço caloroso de um documentário, o fluxo meditativo do seu bolso de vida gerando uma sensação de presença e calma - algo que todos poderíamos fazer mais. AB

14) Oddity

Há sempre aqueles que lamentam que o terror moderno não pode viver à altura do auge dos “bons e velhos tempos”. É verdade que nem sempre é fácil encontrar uma abordagem nova e ousada para os temas familiares entre os que geram dinheiro pouco assustadores e bastante cínicos, mas 2024 provou mais uma vez que existem alguns filmes de terror verdadeiramente fantásticos por aí.

Este ano, tivemos Stopmotion, Late Night With The Devil, Heretic, TheSubstance e TheDevil's Bath encantando os dreadheads e os “white knucklers”. (Mais sobre esses dois últimos daqui a pouco — e, por favor, note que os desconcertantemente exagerados Longlegs não fizeram o corte, apesar do burburinho das redes sociais fazer uma parte da internet perder a sua porcaria coletiva por muito pouco.)

Um que se destacou entre um grupo estelar foi o Oddity, de Damien McCarthy. Para o seguimento do seu aclamado Caveat, o escritor-diretor irlandês entregou outro chiller lento, desta vez sobre uma médium cega a tentar descobrir a verdade por trás do assassinato da sua irmã gémea. Oh, e há um manequim de madeira envolvido que vai assombrar os teus sonhos e vai fazer-te reavaliar o teu ranking dos 3 melhores demónios da paralisia do sono.

O filme é um filme de invasão de casa sobrenaturalmente atingido que se revela uma exploração assustadora da perda, bem como uma releitura astuta do mito do Golem. As atuações ao longo são excelentes — especialmente Carolyn Bracken, que interpreta completamente as duas irmãs — e McCarthy aproveita ao máximo o orçamento reduzido e as locações limitadas. Oditty é uma prova de aumentar a tensão e criar sustos inteligentes e cheios de coração — que são poucos mas perfeitamente orquestrados. Servem astutamente esta história de como o mundo espiritual pode procurar retribuição contra o mal que é demasiado humano. DM

13) Kneecap

Selecionado como submissão oficial da Irlanda aos Óscares, o Kneecap é uma exploração extremamente divertida da resiliência e da rebelião contra a opressão sistémica.

Baseado na banda irlandesa real de hip-hop Kneecap, que atua na sua língua nativa irlandesa, o filme é protagonizado pelos membros da banda como eles próprios, adicionando uma camada de autenticidade a esta história de origem alimentada por drogas ambientada em Belfast pós-Troubles. Através das suas letras, a banda coloca um dedo médio ao domínio inglês na Irlanda do Norte e à supressão da sua herança linguística.

Marcando a longa-metragem de estreia do realizador Rich Peppiatt, o filme está repleto de energia, graças ao seu estilo de filmagem experimental, performances estridentes - incluindo uma memorável virada de apoio de Michael Fassbender - e ao ocasional bum flash! É um excelente testemunho da importância da linguagem, da preservação cultural e do espírito inflexível do hip-hop. TF

12) Dois da dupla Yórgos Lánthimos e Emma Stone: Pobres Criaturas e Histórias de Bondade

Pobres Criaturas (Poor Things) pode parecer um filme de 2023, tendo ganho o Leão de Ouro de Veneza do ano ado e conquistado Emma Stone o seu segundo Óscar de Melhor Atriz, mas foi lançado logo no início do ano e por isso faz o corte. Já os ouvimos falar dos seus méritos e os frequentadores da boa paróquia Euronews Culture saberão o quanto gostamos do singular riff vitoriano Frankenstein de Lánthimos.

A coisa é que 2024 é muito um ano de Lánthimos. O cineasta grego e a atriz norte-americana não fizeram as coisas pela metade e deram ao público uma segunda ajuda com a estreia de Histórias de Bondade (Kinds of Kindness) em Cannes.* Quem disse que não podemos ter coisas boas? Bem, coisas sombrias, porque o segundo dos dois viu o diretor recuperar o seu título de Rei da Onda Estranha Grega.

Kinds of Kindness é um estranho tríptico antológico que é mais sombrio e muito mais surreal do que a sua produção recente — o filme perfeito para aqueles que perderam aquele mal-estar enjoso sentido durante o indelevelmente intransigente Dogtooth e perturbador O Sacrifício de um Cervo Sagrado. Conta três histórias conectadas usando o mesmo grupo de atores em diferentes papéis. Há sexo em grupo, canibalismo, cultos, doppelgangers, e não tanta bondade como o título quer que acredite.

É a reviravolta inebriantemente hilariante e cruel de Lánthimos em The Twilight Zone. Stone pode ter sido menos no centro das atenções em comparação com Poor Things — com Jesse Plemmons a roubar o programa e acertadamente a Palma de Melhor Ator na Croisette este ano. No entanto, a atriz garantiu que o que poderia ter sido uma volta de vitória divertida mas descartável após Poor Things não era realmente nada disso. As três alegorias imíveis, sobre os limites do amor e do livre-arbítrio, bem como a renúncia ao controlo nas relações, constituem uma viagem teatral do absurdo à Yórgostonesfera que vale a pena fazer. E não teremos de esperar muito antes de uma terceira colaboração Lánthimos-Stone, pois a Bugonia está prevista para o próximo ano. Regozija-te! DM

11) Queer

O cineasta italiano Luca Guadagnino tem estado ocupado este ano, com dois filmes lançados nos cinemas nos últimos 12 meses: Challenger e Queer. Vamos para o último — e aqui está o porquê.

Ao longo da sua carreira, Guadagnino tem-se mostrado um mestre na representação do desejo. Dos membros violentos e espetáculos surrealistas de Suspiria aos olhares inclinados pelo sol e pelos pêssegos enfiados de Chama-me pelo teu Nome, ele consegue captar os anseios tácitos dentro e entre as pessoas com uma tatilidade tentadora. É esta força que eleva verdadeiramente a sua adaptação da novela de 1985 de William S. Burroughs, texturizando o material de origem com um rico submundo visual, ao mesmo tempo que capta o sentimento presente de um tempo e lugar específicos.

William Lee (Daniel Craig) é um expatriado que vive na Cidade do México, vagueia pelas suas ruas e bares cheios de neon como um fantasma, num terno branco amassado e névoa de fumaça de cigarro. Depois de se apaixonarem por um jovem chamado Eugene (Drew Starkey), os dois embarcam numa viagem de autodescoberta. É aqui que o filme dá uma volta repentina de estar a ferver dentro de uma pintura de Edward Hopper para uma explosão alucinógena ao estilo Fear and Loathing que procura separar todas as partículas do ser do nosso protagonista e juntá-lo novamente.

A estética sensual, uma banda sonora propositadamente anacrónica e a melhor performance da carreira de Craig combinam-se para fazer do Queer uma experiência cinematográfica profundamente afetante que articula tantas verdades sobre saudade, perda e mortalidade. Intenso? Sim, mas o seu peso parece estranhamente libertador, como se estivéssemos a reorganizar-nos ao lado do Lee, o seu mundo, uma memória fantasma que habitamos tão completa e fugaz como o toque de um estranho. AB

10) Desconhecidos (All of us Strangers)

A história do autor japonês Taichi Yamada “Strangers” é adaptada para o cinema, desta vez com um cenário inglês e um casal homossexual no centro. Apesar de todas as mudanças, mantém o conceito original como o solitário roteirista Adam, interpretado com profundos poços de empatia por Andrew Scott, regressa à sua casa de infância para encontrar os seus pais mortos há muito tempo, presos no âmbar das suas memórias juvenis deles. Enquanto isso, Adam inicia um romance com o vizinho e companheiro solitário Harry, um Paul Mescalal poderosamente contido.

A versão de Andrew Haigh sobre a história japonesa está cheia de sentimentos. As visitas dos pais de Adam desenterram os seus medos sobre a sua sexualidade não ser aceite antes de mergulhar de cabeça na dor do luto infantil. As cenas de pais e filhos são tão chorosos quanto o cinema de 2024. Consegue sentir-se continuamente merecido - em grande parte graças aos olhos cansados do mundo de Scott, traduzindo-se em hectares de sentimento.

Elegantemente filmado mas nunca tão exageradamente, Desconhecidos é também uma representação calorosa do poder redentor das relações contra traumas de infância. Haigh é, por vezes, implacável na sua representação da solidão, e a última reviravolta da sua faca deprimente corre o risco de se tornar paródica, mas o efeito geral é uma fábula terna que não deixa um olho seco na casa. JW

9) The Beast

Situado em 1910, 2014 e 2044, The Beast não tem medo de confundir os espectadores a princípio, ao saltar pelos géneros tão confortavelmente quanto o tempo. Baseado — muito vagamente — na novela de 1903 de Henry James “The Beast in the Jungle”, o realizador francês Bertrand Bonello cria um cenário jamesiano trágico para o segmento do século XX, ao lado de um thriller arrepiante sobre a cultura incel moderna e uma alegoria futurista sobre os perigos da inteligência artificial.

Todas as três eras estão ligadas entre si por Léa Seydoux, que lidera como a mulher de 2044 forçada pelos senhores da IA a purgar as suas emoções através de reviver vidas adas e a eterna recorrência de um trágico papel, interpretado por George MacKay. Seydoux é surpreendente numa performance multifacetada que o mantém centrado à medida que o enredo se tece ao longo dos séculos.

As audiências que não estão dispostas a envolver-se ficarão desligadas com a sua audácia, mas a maior qualidade da Besta é a sua própria pomposidade. Vejam com a mente aberta ao seu enredo pesado e este é um apelo apaixonado pela humanidade. Cativante, desconcertante e glorioso — é um filme audacioso cujos riscos nunca se transformam no ridículo enquanto Seydoux e MacKay vendem continuamente o ousado mundo tripartido que Bonello trouxe para o ecrã. JW

8) Emília Pérez

O realizador francês Jacques Audiard (Um Profeta, Dheepan) orquestrou este ano uma reviravolta de barnstorming, para a qual ninguém estava preparado.

* Respiração profunda*

O seu melodrama de gângsteres, trans-musical-melodrama de língua espanhola, com transição de género, cartéis, lindas coreografias e canções sobre vaginoplastia desconcertaram Cannes, onde ganhou duas Palmes. Emilia Pérez também se consolidou como líder do Globo de Ouro e Óscares ao varrer o tabuleiro nos Prémios de Cinema Europeu no início deste mês.

Este Sicário na Broadway acompanha um chefe de cartel mexicano (interpretada com perfeição por Karla Sofía Gascón), que quer tornar-se mulher. Para o fazer sem que os cartéis cheirem o seu plano, sequestra uma advogada (Zoé Saldaña), que está cansada de defender maridos violentos num sistema corrupto. É seguro dizer, no entanto, que este conto excêntrico de emancipação, identidade, corrupção e redenção é um golpe ousado para as cercas, uma loucura kitsch perfeitamente orquestrada com uma visão plenamente realizada que nunca é segura.

Karla Sofía Gascón fez história na Croisette ao tornar-se a primeira artista trans a levar para casa a Palma de Melhor Atriz (ao lado do resto do elenco feminino como ensemble) e não ficaríamos nem um pouco surpresos se mais elogios lhe estivessem a caminho. Ela faz deste filme centrado em mulheres fascinantes uma experiência verdadeiramente animadora, pois há tanto poder, pathos e seriedade que se infiltram em cada momento da sua performance — bem como o duplo ato que ela forma com Saldaña. É melhor preparar a premiação — este filme de dobra de género e género é um triunfo. DM

7) Zielona Granica (Fronteira Verde)

O título da poderosa característica da veterana diretora polaca Agnieszka Holland refere-se às florestas que compõem a terra de ninguém entre a Bielorrússia e a Polónia. Lá, os refugiados do Médio Oriente e de África tentam desesperadamente chegar à União Europeia e encontram-se presos num absurdo de ir e sair, supervisionado pelos governos bielorrusso e polaco. Os refugiados são atraídos para a fronteira, com a promessa de agem segura para a UE. A realidade é que são peões políticos num jogo fraudulento orquestrado pelo ditador bielorrusso Alexander Lukashenko; são brutalmente despejados entre os dois lados, nenhum dos quais reivindica qualquer responsabilidade e continua a condená-los a um in-limbo terrivelmente finito.

Ao longo de quatro capítulos ('Família', 'A Guarda', 'Os Ativistas”, 'Julia') e um epílogo condenatório que aborda o pecado da hipocrisia quando se trata de desumanização em massa, as histórias entrelaçam-se para expor uma acusação emocionante e emocionalmente devastadora de uma crise contínua da UE.

Tendo baseado o filme em pesquisas meticulosas e entrevistas com refugiados, guardas de fronteira e ativistas, a Holanda evita sempre o melodrama — em parte também graças à autenticidade crua das performances e à soberba fotografia em preto e branco de Tomek Naumiuk, que muitas vezes empresta ao filme uma sensação quase documental. Holland opta por se concentrar nos fragmentos de luz lutando desesperadamente para espiar a humanidade corroída, e o seu filme às vezes lembra Quo Vadis, da diretora bósnia Jasmila Žbanić, Aida? , na forma como ela habilmente restringe o escopo da narrativa sem nunca diminuir a escala da atrocidade da vida real. Raros são os filmes que conseguem misturar habilmente a raiva justa e o cinema comivo como este filme humanista. DM

6) Des Teufels Bad (O Banho do Diabo)

Com base em uma extensa pesquisa sobre registros históricos do tribunal, O Banho do Diabo vê a dupla de diretores austríaca Veronika Franz e Severin Fiala iluminar um capítulo anteriormente inexplorado da história europeia. Ao dar voz aos sem voz da história, descobrimos como centenas de pessoas — principalmente mulheres — “curaram” a si mesmas da sua depressão, levando-se ao suicídio por procuração, a fim de evitar a condenação eterna.

Ao elaborar este retrato psicológico profundamente imersivo e perturbador de uma brecha dogmática, transportado pela maravilhosa Anja Plaschg (também conhecida como a musicista Soap&Skin, que também fornece uma partitura terrível), os realizadores empregam algumas referências impressionantes de William Blake, bem como a linguagem cinematográfica do terror. Ao contrário dos seus filmes anteriores Goodnight Mommy ou The Lodge, no entanto, O Banho do Diabo desafia a categorização fácil. São muitas coisas ao mesmo tempo: uma peça de época surpreendentemente filmada; uma crítica arrepiante do dogma religioso; uma escavação comovente do ado sem voz; uma exploração metafísica temperamental das gaiolas que viajaram ao longo do tempo para persistir na sociedade atual. E considerando que a doutrina eclesiástica permanece viva e bem até hoje, há uma ressonância oportuna adicional ao filme, que ecoa o estigma ainda persistente em torno da depressão e do suicídio.

Resumindo, O Banho do Diabo é muito para absorver e a coisa mais distante da visualização da luz — mas é fascinante e envolvente a ponto de ser imperdível. DM

5) All we Imagine As Light

A segunda longa-metragem de Payal Kapadia, All We Imagine As Light, foi o primeiro filme indiano a ser apresentado na Competição de Cannes em 30 anos, e foi premiado com o Grande Prémio. Infelizmente, a Índia ou a oportunidade de enviá-lo aos Óscares no próximo ano, o que é uma falha de ignição, uma vez que é um trabalho impressionante.

Este drama envolvente e terno retrata como as vidas de três mulheres hindus se cruzam. Há uma enfermeira sénior num hospital especializado, uma enfermeira mais nova que embarcou num romance clandestino e uma cozinheira que trabalha na cozinha do hospital. Através deles, testemunhamos as dificuldades diárias que as mulheres da classe trabalhadora enfrentam em Mumbai.

Superficialmente, é um conto que trata do amor e das relações; mas à medida que o tempo de execução avança, elementos surreais inesperados são injetados e quebram o estilo verité. Kapadia injeta esperança crescente ao longo do tempo e constrói uma ode comiva à amizade e solidariedade feminina, que por sua vez se torna uma meditação singularmente assombrosa sobre o pertencimento e as deslocações inerentes à vida.

Considerando o grande número de filmes que disputam desesperadamente por gongos durante a temporada de premiações, o impressionante trabalho de Kapadia merece mais do que se perder nos hustings. Sobretudo quando se faz uma reviravolta mágica realista na sua meia hora final, que pode ser um dos momentos mais gloriosos do cinema este ano. DM

4) A Substância

Uma regurgitação disfarçada de raiva feminina reprimida, o espetáculo de terror corporal de Coralie Fargeat foi um dos filmes mais catárticos e corajosos de 2024.

Numa história familiar sobre a idade de Hollywood, a apresentadora de aeróbica Elisabeth Sparkle (Demi Moore) é demitida pouco depois de celebrar um aniversário marcante. O seu chefe viscoso Harvey (Dennis Quaid) - nada é subtil aqui - explica entre bocados desleixados de camarão que: “Aos 50 anos, bem, pára”. Sentindo-se invisível e abatido, Sparkle encomenda um misterioso injetável do mercado negro conhecido como 'The Substance', que promete criar uma versão “mais jovem, melhor, mais perfeita” de si mesmo. Essa versão é Margaret Qualley. O problema? Há muitos — o primeiro é que tem de nascer esta versão “melhor” de si próprio a partir da coluna vertebral.

Elegante, silencioso e doentio, este é um filme que consegue sentir-se completamente original apesar das suas óbvias influências cinematográficas (David Cronenberg, Stanley Kubrick, David Lynch e Frank Henenlotter para citar apenas alguns). Ganhando o melhor prémio em Cannes, também sinalizou um emocionante renascimento do terror descarado, saudando Fargeat como uma das vozes mais inovadoras do género ao lado da colega cineasta sa Julia Ducournau (Cru, Titane).

Embora as mensagens dentro de A Substância não sejam novas, permanecem deprimente igualmente pertinentes numa era de redes sociais, filtros e ajustes corporais. É um lembrete da forma como os padrões patriarcais têm prejudicado as mulheres e, por sua vez, como transformamos esse ódio em nós mesmos. Mas, mais do que tudo, é um momento muito bom no cinema. AB

3) Anora

A Palma de Ouro deste ano foi para o tumultuado conto de fadas moderno de Sean Baker, que também é uma tragédia furtiva. Segue-se o bailarino exótico homónimo e humoroso (Mikey Madison), que conhece um jovem Príncipe Encantado chamado Vanya (Mark Eydelshteyn). É um bebé nepo mauco com energia Tigger e pais russos ultra ricos, que entram em jogo quando descobrem que o seu filho se casou impulsivamente com a “prosta”.

O ataque ao DEFCON 1 põe em movimento uma comédia propulsiva que atualiza Pretty Woman e partilha a mesma energia caótica que as Joias Sem Corte dos Irmãos Safdie.* No seu coração, porém, está a escuridão, já que Baker — conhecido por mergulhar na vida de profissionais do sexo nos seus filmes anteriores, como Tangerine e Red Rocket — explora o sonho americano através do prisma da empatia ligada às divisões de classe. Isto conduz a um comentário ligeiro mas eficaz sobre como a boa vida é muitas vezes dada àqueles que menos a merecem, e como aqueles que a sociedade escolhe marginalizar serão sempre levados ao fracasso.

Madison é uma revelação, enquanto as suas co-estrelas Eydelshteyn e Yura Borisov destacam-se como o imaturo loverboy e o “gopnik” Igor, desafiado francofonicamente. Reforçados pela direção de Baker e uma trilha sonora perfeita, fazem de Anora um dos filmes mais divertidos e furtivamente impactantes de 2024. Baker e Madison são os shoo-ins dos nomes dos Óscares, e não se surpreenda quando Anora surge como líder no que diz respeito a Melhor Filme. DM

2) A Zona de Interesse

A obra-prima de Jonathan Glazer, The Zone of Interest, é uma recontação do Holocausto que vira as narrativas tradicionais de cabeça para cima. Situada nos arredores de Auschwitz, segue a vida familiar do comandante do campo Rudolf Höss. Glazer dirige à distância, montando câmaras fixas na casa e permitindo aos seus atores viver a sua vida quotidiana.

Referenciando o conceito de “banalidade do mal” de Hannah Arendt, os problemas de classe média do agregado familiar, liderados por uma performance perfeitamente imível de Sandra Hüller como Hedwig Höss, poderiam ser o resultado de um filme monótono. É tudo menos. Graças a um design sonoro opressivo e a uma referência suficiente, os crimes desumanos do Holocausto atravessam todos os momentos. Uma tragédia incalculável é mantida longe da vista directa.

Enquanto outros filmes do Holocausto se desviam para um sentimentalismo banal com narrativas de heróis, Glazer se concentra na verdadeira causa por trás do mal — o grande número de pessoas que permitiram que isso acontecesse. Ao criar figuras tão normais como as suas personagens centrais, Glazer acusa aqueles que vivem lado a lado com atrocidades de serem tão cúmplices como aqueles que as perpetuam. Tal como o documentário sísmico de Joshua Oppenheimer O Ato de Matar, esta é a filosofia de Arendt em larga escala.

Quando recebeu o Óscar de Melhor Longa-Metragem Internacional no ano ado (o filme saiu nos cinemas este ano), Glazer usou o seu discurso para denunciar o ataque de Israel a Gaza. Foi recebido com uma série de críticas. Quase um ano depois, a mensagem enfática do filme de Glazer ainda não foi levada a sério o suficiente. JW

1) O Meu Bolo Favorito e ASemente do Figo Sagrado

A nossa escolha para Melhor Filme do Ano vai para dois filmes - pela primeira vez. Ambos vêm do Irão e destacam-se não só porque mantêm vivo o espírito de Mahsa Amini desafiando o despotismo de Estado, mas porque são duas das experiências cinematográficas mais impactantes de 2024. Ambos foram baleados em segredo na mesma altura que os protestos das Mulheres, Vida, Liberdade e usam meios diferentes para se tornarem revolucionários à sua maneira.

O* *Meu Bolo Favorito de Maryam Moghaddam e Behtash Sanaeeha é um filme suavemente subversivo que ousa apimentar o radicalismo dentro de uma tragicomédia comovente. Segue-se a solitária viúva septuagenária Mahin (Lily Farhadpour) que anseia por se reconectar com as liberdades perdidas da sua juventude. Ela está de olho no taxista divorciado Faramarz (Esmaeil Mehrabi) e o convida descaradamente a ar uma noite roubada com ela. Por trás de uma configuração aparentemente inofensiva e de um segundo semestre do Linklater-ish estão mensagens de empoderamento feminino que não são toleradas sob o regime repressivo da nação. Impulsionado por duas magníficas performances centrais, que tornam o epílogo alegoricamente carregado verdadeiramente ressonante, o filme de Moghaddam e Sanaeeh é um instantâneo subtil mas poderoso das duras realidades que as mulheres iranianas enfrentam, bem como um comentário sobre o que poderia acontecer àqueles que ousam assumir o controlo dos seus destinos. É impressionante e assombroso em igual medida.

Quanto a A Semente do Figo Sagrado, do dissidente cineasta iraniano Mohammad Rasoulof, foi um dos títulos mais comentados de Cannes este ano — e não apenas por causa da história de roer as unhas por trás da presença de Rasoulof na Croisette. É um filme mais descarado e sinceramente radical, que examina as tensões contemporâneas do Irão através da internalização de uma família da atual turbulência.

Ao mostrar como um patriarca se volta contra a sua família depois que um germe rebelde começa a brotar dentro da unidade familiar, Rasoulof aumenta as coisas de drama doméstico claustrofóbico a psicodrama emocionante com tons de horror para melhor expor a teocracia do Irão como uma construída sobre violência e paranóia. A Semente do Figo Sagrado representará a Alemanha nos 97º Prémios da Academia de Melhor Longa-Metragem Internacional — uma escolha inspiradora porque mostra como os intercâmbios interculturais prosperam na sociedade aberta. Mesmo que enfrente a concorrência da escolha da França, a mais imediatamente ível Emilia Pérez, a inconfundível chamada às armas de Rasoulof para aqueles que se recusam a aceitar o controlo insidiosamente escondido como amor, tornaria um vencedor muito digno.

As obras de Maryam Moghaddam, Behetash Sanaeeha e Mohammad Rasoulof não são apenas janelas para os crimes do despotismo estatal mas atos significativos de bravura em nome da justiça e da arte. São, a nível puramente artístico, filmes soberbos; e quando ancorados nos seus contextos sócio-políticos, realizações que não devem ser tomadas como garantidas. As audiências ocidentais têm a sorte de ver filmes de cineastas que ousam desafiar a opressão, a misoginia e a tirania; OMeu Bolo Favorito e ASemente do Figo Sagrado oferecem escapismo mas também o precioso lembrete de que o cinema pode falar a verdade ao poder.

A arte exige muitas vezes criativos para pôr tudo em risco para que as vozes não sejam silenciadas. Moghaddam e Sanaeeha, que enfrentam actualmente uma brutal repressão nas mãos do sistema judicial da República Islâmica, fizeram exatamente isso. Rasoulof, que conseguiu fugir do Irão este ano para que o seu filme pudesse ser exibido ao mundo, também arriscou tudo. Nada deve ser dado como garantido — muito menos estes dois filmes impressionantes. DM

Aí está.

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